Una Corea de posguerra unificada donde el mar y el cielo están envueltos en rojo conmovedor es la escena principal de “The End” del Parque Syeyoung, su suite para debutar “La quinta vértebra torácica” que el mundo presenta al Festival Suiza Locarno en la sección de cineasta del presente.
La Oficina de Producción de CO gestiona las ventas globales en una coproducción de Corea del Sur (Sayew Pictures) y Co -Production alemán (Produkion Essential), con el apoyo del Instituto de Cine Doha de Qatar.
Después de tres años de postproducción, la película prevé un mundo apocalíptico que alberga a los Omegas, un grupo transferido de Parias explotado como una fuerza laboral barata por la facción del gobierno, la fuerza laboral de Omega, que es responsable de perseguirlos.
En su imaginación de la distopía, Syeyoung Park intenta evitar representar a su país como está actualmente. “No me gusta la apariencia de Corea en este momento porque hay un Starbucks, McDonald’s, 7-Eleven, cada minuto que estás caminando. Por lo tanto, está contaminado con tantas imágenes de negocios feas”, dijo el cineasta Variedad en Museo Casorela en el corazón de Locarno. El mundo en “The End” es un espacio desgarrado por el tiempo “Sin automóviles, sin teléfonos móviles y ningún tipo de logotipos capitalistas que invadan la pantalla”.
Un estanque de pesca dentro de un edificio abandonado es un oasis colorido y caleidoscópico donde se interrumpe el conflicto entre los dos grupos, acompañado de melodías eufóricas. “No hay progreso en la historia aquí, te relajas”. Visualmente, este espacio contrasta fuertemente con los escenarios ecológicamente agotados que lo rodean. “En el océano, hay rojo. En la ciudad, solo hay blanco y negro. Y es muy monótono. Pero en la tienda de pesca, lo que quería era todo lo contrario donde introduje todos los colores posibles en un solo espacio”.
Nuestra especie contaminó el planeta, de modo que las nubes grises de humo invaden muchos paisajes urbanos. Syeyoung Park, que también filmó la película en sí, por otro lado, se da cuenta de una visión llena de colores y texturas radiantes. Para él, es una forma de “contaminar la pantalla con texturas”. No hay una imagen limpia. El mecanismo de realización de la película real ha resultado en un gran ruido digital en la pantalla y muchas texturas diferentes en todas partes que se mueven constantemente. ”
Park cita a Harmony Korine “Julien Donkey-Boy” como punto de referencia para esta innovación digital. Esta película, dijo, “fue filmada con cinta DV. Luego saltean hasta 16 mm de película, luego 35 mm, por lo que hay todos estos diferentes tipos de contaminación en la pantalla y fue la belleza de la película”. De manera similar al director estadounidense, Park decidió “desarrollar la textura para dar la sensación de ser un fantasma o un elemento espiritual en la película”.
“The End” está muy preocupado por un espectro que todavía busca a toda la humanidad: la de Covid-19. En ese momento, Park recuerda: “Todos tenían máscaras, estábamos a dos metros el uno del otro. La película evoca esta sensación no solo por la división entre humanos y omega, sino también en la forma en que se representan las relaciones. Los personajes son distantes y buscan conexiones.
En medio de esta distopía, un sentimiento de optimismo proviene de la cuestión de las líneas de división que separan los grupos sociales. “Espero que las personas tengan la impresión de que tal vez lo que ven a su alrededor no sean ciertos. Entonces, activamente, no pasivamente, reconsideran lo que realmente constituye un Omega o no, ¿qué lleva a cómo decidir quién es un Omega y quién no?
